• @ElisaQuei

Un rey de corona plateada sobre cabello blanco y falso




Andy en realidad era Adrew y Warhol, Warhola, pero como buen artista buscando fama Andy Warhol modificó su nombre, lo adaptó para ser más appealing dirían en inglés con esa palabra que en su mejor traducción combina atractivo y sexy. En parte este cambió se debió a un error del editor de la primera revista que lo contrató como ilustrador publicitario,


Glamour en septiembre de 1949, cuando Tina Frederick, directora de la revista le da una oportunidad al joven “transparente” que hablaba susurrando y venía de Pittsburg: “era extraño, muy extraño, como un elfo pero su portafolio de pinturas era excelente”.


Tan sólo tenía 21 años. Lo primero que ilustró fueron zapatos –de mujer claro–. Su nombre real desapareció para siempre cuando lo escribieron mal en esta revista, pero él se convertiría en poco más de una década (1959) en el director de arte publicitario más importante de Nueva York, con el mejor sueldo y fortuna acumulada. Los medios de comunicación y la publicidad hacían implosión en ese tiempo. Warhol era su genio, uno de los mad men.


Pero no era suficiente, nunca era suficiente para el que una vez fuera introvertido, casi autista Warhola que lo que quería era ser parte de las Bellas Artes y famoso, muy famoso. Consiguió ambas cosas.


Saber con detalle su historia me hace reflexionar sobre la incongruencia que significan las políticas anti-inmigrantes del actual presidente Trump: cuando él habla de regresar al “sueño americano”, en realidad está matado el sueño americano y Warhol en la segunda mitad del siglo pasado, lo personifica: no era nadie, no tenía nada, estuvo enfermo, su familia fue pobre, muy pobre, inmigrantes de Europa oriental que no hablaban ni el idioma y su tercer hijo, Andrew, se convirtió en lo que un día se propuso, el artista-celebridad más famoso e influyente de los Estados Unidos, co-creador y habitante del Pop-Art y más.


Hoy Andy Warhol está en México demostrando una vez más que quien es recordado no muere, se presenta con más de 100 obras, entre ellas las más icónicas: Marilyns, Lisas, Maos y Campbells, muchas Sopas Cambells, todas en plural, porque justo lo que hizo distinto Andy a otros artistas fue la producción en serie, masiva y con un objetivo específico multiplicada. Visitar la exposición no sólo es valorar el esfuerzo que ha hecho la Fundación Jumex Arte Contemporáneo por traerlo, más de cinco años de gestiones y lograr que la curaduría la hiciera Douglas Fogle[1], sino ser testigo del uso del color para transformar el sentido de una imagen y de la técnica para innovar en el arte reflejando no sólo lo que el artista quiere, sino lo que la sociedad y la cultura del momento es. Guste o no.


Su vida y eternidad después de la muerte




Adrew Warhola nació 6 de agosto de 1928 en Estados Unidos, en la ciudad de Pittsburgh, en una colonia que era más parecida a un gueto europeo que a la comunidad americana que la rodeaba. Todos hablaban esloveno, vivían como eslovenos, comían y rezaban como en su antiguo hogar. Mitad orgullo interno, mitad vergüenza al exterior son algunas de las marcas en la vida de Andy quien nunca deja de ir a misa, por ejemplo.


Su madre Julia era bordadora y fue quien prácticamente descubre y salva a su hijo, ya que Andrew a los 8 años fue afectado por la enfermedad neurológica conocida como Baile o Mal de San Vito; que le provocaba movimientos en las manos involuntarias, entre otras reacciones. Abandonó por largas temporadas la escuela no sólo por la burla aguda que le hacían sus compañeros, sino que llegó a tener más de 13 ataques severos antes de cumplir 15 años. Sin embargo, el arte y la pasión por los artistas sobretodo de Hollywood afloró en este tiempo.


Su madre lo cuidaba quedándose con él siempre, pero también llevándole sus primeras pinturas y recortes y materiales para hacer collages. Cada creación tenía un premio, un chocolate para el pequeño Warhol. Pronto pintar, así como seguir las revistas y noticias de los famosos de los 20s se volvió su actividad favorita. En especial fue fanático de Shirley Temple a quien escribía sin cesar hasta que consiguió que le enviarán una fotografía autografiada por la propia niña. Era su tesoro. Comprendió desde niño el valor de la fama y la fuerza de los fans.


Dejaría de ser uno, el fanático, para ser el otro, la celebridad. El arte lo salvó de niño y de adulto. Sus lecciones comenzaron a los 9 años en el Carnegie Institute, hoy Carnegie Museum of Art. Eran gratis y su madre lo inscribió, asistía todos los sábados y tomó todos los cursos que podía.


Su padre también lo miró y reconoció su talento. Dejó instrucciones para que todos sus ahorros fueran directo a la educación de su hijo menor. “Él será grande le aseguraba a Julia”. Cuando muere en 1942 Andrew tenía 14 años y le fue tan dolorosa su pérdida que por tres días no dejó de llorar, ni siquiera asistió a los servicios funerarios, pero después cumpliría cabalmente su voluntad.


Así, ese mismo año, adolorido por la muerte de su padre y marcado por la enfermedad, ya que también sufrió de una despigmentación de la piel y adelgazamiento del cabello que lo atormentaría para siempre entró a Schenley High School donde se graduó en 1945 con honores para después entrar a Carnegie Institute for Technology donde estudió diseño pictórico. El tiempo de Pittsburg llegó a su fin y con tan solo 20 años y $200dólares en el bolsillo se lanzó a la Gran Manzana, donde todo sucedía y donde también todo ocurrió para él.


Seguidor de los artistas conocía lo que la fama significaba pero también lo que el rechazo se siente también. Desde niño repudiado por su aspecto y su enfermedad heredó este trauma a su juventud y tras fracasar en sus primeros intentos de amar, nunca más lo hizo. Se convirtió en el habitante del "so what", del “qué más da” persiguiendo sólo dos cosas: fama y fortuna, pero no haciendo cualquier cosa sino ARTE.


Se separa de la publicidad "aparentemente" primero en su interior buscando el reconocimiento del mundo de las bellas artes, en el cual era ignorado por no decir repudiado. No se cansó. Supo porqué y asimiló que por aquello que le negaban la entrada era incambiable: era raro, irreverente y venía del mundo comercial.


Justamente éstas se convertirán en las características de su obra, lo que lo hará trascender y serán su huella.


Su primera exposición en una galería seria fue en los Angeles, la Ferus Gallery donde por primera vez se nuestras sus famosas latas Campbell's, 32 imágenes de sabores distintos. Fue un amigo el que le dijo pinta dinero y lo que éste hace: las latas Campbell's son dinero democratizado, desde el presidente hasta el obrero, todos las consumen. Los críticos se polemizaron y el péndulo con sus extremos los caracterizó: mientras unos lo consideraban una burla inculta, otros comprendieron que algo estaba pasando.


El Pop Art estaba por escalar, ya existía pero Warhol lo creció a otro nivel, al igual que el manejo de la técnica que lo haría inigualable: la serigrafía. Rosenbaum y De Kooning ya la usaban, Warhol la magnifica y lo mismo sucede con los "Desastres" como se le conoce a su series de accidentes, suicidios, muertes y artistas famosas. Sí, su Marylin, Lisa y Jackie comulgan con mujeres anónimas, muertas pero "famosas por quince minutos" y gracias a los cuadros de Warhol eternas. La repetición de las escenas nos hace desvanecer el mensaje hasta perderlo, el color nos propone sentir distinto, eso hace el aparentemente superficial Andy Warhol, desde la espuma de lo que consumimos nos inyecta lo que es vida, muerte, cultura, alimento, ego, sueño... trascendencia.


El tres de junio de 1968 al ya considerado Rey del Pop le dispararon un tiro en el pecho. No fue una feminista como suelen describirla y ya, sino una mujer rechazada por las feministas con un profundo trastorno de la personalidad: Valery Solanas pasa a la historia por cicatrizar para siempre el cuerpo de Warhol. "El me controlaba demasiado" repetía mientras fue detenida, la verdad es que él ni siquiera la veía. Su mirada era exclusiva para los celebrities, para los seres de sonrisa y tragedia, de dinero y drogas con los que compartía el Studio 54 por la puerta principal y a los que dejaba por la puerta de atrás para regresar a casa, donde estaba su mamá esperándolo. La televisión y el silencio eran la intimidad de Warhol.


No lo mato la bala de Solanas, sino la negligencia e incapacidad de una enfermera en 1987. Lo operaron de la vesícula, todo había salido bien. Pero el corazón le falló la noche del 22 de febrero. Andy Warhol murió sin la compañía de su fama.

Un entierro en Pittsburg, una memorial en Nueva York con la presencia de miles de fanáticos y un adiós a su presencia física marcan el año de 1987, pero jamás a su legado que quedó para siempre protegido por su Fundación Museo AndyWarhol en Pittsburg, así como las galerías de todo el mundo y museos que guardan sus cuadros como tesoro y comparten cuando se puede con todo aquel que atrapado por el espejo del arte pop se acerca a conocer a su rey.



Las cosas que vale la pena saber de Andy Warhol para admirar más su trabajo




  • Superó la pobreza, la enfermedad y la inseguridad. (Nace en el ‘28 perteneciente a una familia de inmigrantes eslovenos religiosos y muy pobres que ni siquiera hablaban bien el idioma) Personifica el sueño americano de nada a todo.

  • Su madre lo cuidó de niño y lo impulsó siempre. Su padre muere cuando él tiene 14 años y deja todos sus ahorros para que Andy estudie (él llora por tres días pero cumple con lo que su padre quería y su madre creía de él)

  • Llega a NY con 20 años con 200 dólares en la bolsa y se convierte de ilustrador publicitario al director de arte mejor pagado de toda la gran manzana en poco más de una década. Pero él quería ser un artista reconocido de las bellas artes, codearse con Pollock y ser reconocido.

  • Era raro, inseguro, con un problema que le quedó en la piel, trata desesperadamente de cambiar su imagen: se opera la nariz a los 25 y se hace un tratamiento en la piel que no funciona muy bien y adopta las pelucas. Nunca logró realmente conectar íntimamente con nadie; homosexual aunque muchos biógrafos creen que era más bien asexual después de experimentar un par de rechazos adopta la filosofía “so what” (y qué más da…)

  • Su madre llega a vivir con él a NY en el ’52: “vengo ayudarte en lo que encuentras una muchacha con quien casarte, hacer una familia y asentarte”. Nunca se va. Hacen una mancuerna freak y perfecta, desde que ella llega su éxito en publicidad se potencializa.

  • Desde niño fue un fanático de los artistas y las figuras públicas, su mayor tesoro una foto autografiada de Shirley Temple. Su obsesión era convertirse en una. No quería ser el gran publicista millonario, sino el gran artista celebridad. TODOS LO RECHAZABAN, él no paró.

  • Cuándo preguntó a sus amigos agentes e impulsadores de arte porqué lo rechazaban la respuesta fue tajante y nada que pudiera cambiar: “porque eres raro, irreverente en tus propuestas y porque vienes del mundo comercial. Entonces hizo de esto su ícono y su marca personal. Después de la primera oportunidad fue imparable.

  • Por aquello que lo rechazaban, él lo convierte en arte



¿Qué propone? ¿Por qué unas latas Campbells pueden ser arte y famoso, así como las imágenes repetidas de celebridades?


  • No pinta lo que el artista es o quiere nada más, sino lo que las masas son a través de sus productos de consumo.

  • Como ilustrador publicitario conoce mejor que nadie que la imagen debe comunicar y así como sus propuestas no hablaban del producto, sino del significado de quien lo quiere; en el arte todos estos conocimientos los aplicó haciéndolo exitoso cuando por fin le dieron una oportunidad de exponer (1962)

  • Uno de su amigos le sugirió: Andy a ti te gusta el dinero y lo que todos tienen, pinta dinero algo que tengan o quieran todos sin importar su nivel social y económico: así surgió la idea de las latas Campbell’s porque están en todas las alacenas hay (en ese momento eran lo máximo y la producción en serie de comida más) desde la del presidente hasta los más pobres, él lo sabía porque él lo fue. Hizo 32 en un principio y por cierto se las comprar su mamá.

  • Se burla a color de lo que expone, por ejemplo su gran Mao (1973, polímero sintético y tinta de serigrafía sobre tela 448.3 x 346.7cm), que era la figura más temible y el presidente más famoso le maquilla los ojos de azul y la boca de rojo, se burla de él, lo humaniza y demuestra que todos somos intervenibles.

  • Nadie maneja el color como él y hace con el color el sentimiento: demuestra que lo repetido deshumaniza y que dependiendo el color, la textura y la repetición una misma imagen significa cosas distintas.

  • Elimina la presencia de las brochas, de la profundidad y el volumen.

  • El arte pop del cual se vuelve el ícono rompe con lo anterior: con el expresionismo abstracto o el surrealismo. Es el arte del consumismo y de la producción en serie, el fondo y la forma que vuelve arte lo mundano y cotidiano: las marcas y lo que el público consume, productos y celebridades.

  • Su estudio fue conocido o bautizado como “The Factory” La Fábrica, donde literal se trabajaban las ideas y el arte en serie como en una fábrica con la pequeña excentricidad de que estaba prácticamente tapizada con papel plateado (su obsesión).


Quién era realmente Andy Warhol y cómo termina su vida


  • Igual que Dalí se crea a sí mismo, Dalí se vuelve obra de arte, un performance viviente; Warhol habita una celebridad: hace todo lo que los artistas de Hollywood hacen, convive con ellos, se fotografía con ellos, consume con ellos y los vuelve famosos en sus lienzos.

  • Se cambió el nombre (todo fue por accidente, pero él lo aprovechó Andrew Warhola)

  • Figura central del Estudio 54, el “gran antro neoyorquino” se dice que entraba por la puerta principal, se dejaba fotografiar, convivía un poco y se retiraba muy pronto por la puerta de atrás para irse a ver la televisión con su madre. Era más una pose, que una realidad.

  • De familia religiosa católica bizantina, según algunos biógrafos siguió yendo a misa siempre y a veces diario, sin que nadie lo acompañara o supiera.

  • Le disparan en el ’68, Valerie Solana, mujer desequilibrada que rondaba por su estudio y furiosa porque no hizo caso a su guión decidió acabar con él. (No está padre que la describan como “la feminista que lo quiso matar”, porque las feministas la rechazaban, tenía una organización de la cual era la único miembro).

  • Este fue un momento decisivo en su vida, el sinsentido también se apoderó de él pero no para la creación de la reflexión en sus obras, sino para multiplicar el arte por dinero: las creaciones en serie que sólo supervisaba; los retratos por encargo a precios exorbitantes y de quien ó lo que fuera hasta de mascotas; la obstinación por la fama y la celebridad del mismo Warhol; las fiestas; el delirio por su propia revista Interview y estar la escena social todo el tiempo; personaje de anuncios donde hizo famosas frases como “si lo tienes, presúmelo” de la Braniff Airlines o el papel de él mismo en el Crucero del amor.

  • Muere por complicaciones médicas después de una operación de la vesícula, absolutamente prevenible, en el silencio de su habitación en el hospital más por un descuido de la enferma que no asistió y avisó a tiempo a los médicos. Miles lo “lloraron” en realidad esas personalidades suelen ser necesarias más por el morbo que por amor, rodeado de muchos celebrities nunca se supo de algún amigo íntimo. Como su arte que pinta la superficie, así vivió él en la vida de los demás. En la superficie.

  • Dejó todos sus bienes para una fundación que llevará su nombre y administrara su arte, es hoy también quien maneja el Museo Fundación Andy Warhol de Pittsburg.


La exposición en México


  • Más de cinco años de planeación y gestiones por parte del Museo Fundación Jumex para lograrlo.

  • Nunca en la historia se han reunido tantas obras de Warhol, más de 10.

  • El curador fue Douglas Fogle, su experto y curador especializado en el mundo, un año completo en la propuesta museográfica.

  • Ver a Warhol en vivo hoy es entender de dónde venimos las sociedades de consumo.

  • La propuesta educativa del museo Jumex es que el arte es todo menos lejano, ni le pertenece a la elite, que la visión del arte es válida tanto del experto, como del curador, como del visitante común.

  • Estará presente hasta septiembre.

  • Está abierto el museo de martes a domingo de 11am a 7pm; hay que ir con paciencia, colas de 45 a 1 hora y media; la entrada normal tiene un costo de 35 pesos y ya saben, estudiantes y docentes no pagan con credencial.

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Fotografías "Inicio" y "¿Quién es Elisa? Vía: Daniel Carrera @danielcarrera

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